Conociendo obras de arte

¡Hola a todos!

En este caso os traigo un análisis de dos obras de arte, Ulises burlando a Polifemo de Joseph Mallord William Turner, y La fuente, de Marcel Duchamp.

Con este trabajo de investigación pretendo que conozcáis estas dos obras de arte y que, una vez que hayáis leído esto, ya no os limitéis a su mera observación sino que las comprendáis.

Ulises burlando a Polifemo, Joseph Mallord William Turner

Figura 1: Ulises burlando a Polifemo

La obra seleccionada es Ulises burlando a Polifemo, creada en 1829 por Joseph Mallord William Turner. En esta obra se aprecia el mar, en el que aparece un barco en la parte central de la obra. También aparece el cielo lleno de nubes y una gran luz al fondo, iluminando una gran parte del cielo. También aparece otro barco en la parte derecha de la obra. En la parte izquierda, se observa una gran zona de color oscuro.

Como he mencionado, esta obra pertenece al autor Joseph Mallord William Turner y es una obra pictórica. Sus dimensiones son las siguientes: 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Su nombre es Ulises burlando a Polifemo y su ubicación actual es en la Galería Nacional, desde 1856.

En cuanto al análisis temático de la obra, en esta obra se trata un tema de la Odisea de Homero. En este caso, Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises consigue burlar al cíclope Polifemo y cegarle su único ojo. En la obra, Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado. En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.

En cuanto a su análisis formal, esta obra es un óleo sobre lienzo, donde los materiales empleados son el óleo y el lienzo y la técnica empleada es la pintura al óleo, que consiste en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal.

A continuación, realizaré el análisis estilístico:

Esta obra pertenece al estilo denominado Romanticismo. La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución francesa. El término romántico, surgido en Francia en el siglo XVII para referirse a la novela, fue adaptado a principios del siglo XIX a las artes plásticas, en contraposición al neoclasicismo imperante. El romanticismo en la pintura se extiende desde 1770 hasta 1870, prácticamente cien años, distinguiéndose tres periodos: prerromanticismo, romanticismo pictórico y tradición post-romántica.

Este movimiento se caracteriza por valorizar aquello que se había rechazado en la Ilustración, la cultura medieval. Se retornó al imaginario medieval y las tradiciones folklóricas nacionales, y también los temas y sentimientos cristianos. Con ellos, reaparece la nostalgia por los paraísos perdidos. También se caracteriza por la exaltación de lo individual, donde en lugar del mundo racional, objetivo y lógico de la Ilustración, el romanticismo exalta lo individual y lo subjetivo. Así aparecen como valores el genio, los sentimientos y todo el mundo inconsciente del ser humano, como los sueños, los instintos o el misticismo. Se buscaba expresar la individualidad través de la originalidad, que era valorada más que la tradición. Por eso también se prefería la obra inacabada, imperfecta y abierta, frente a la obra concluida y perfecta. Dentro de la experiencia subjetiva se realza también el sufrimiento y las pasiones, que suponían un aspecto potente y sobrecogedor de la naturaleza humana. Se cuentan amores fogosos e incontenibles, historias trágicas e irremediables, con presencia de entidades sobrenaturales o religiosas.

En esta obra, demuestra su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos, azules y cálidos, dorados. El sol baña toda la escena. También se aprecia en esta obra una de las características del movimiento al que pertenece, el Romanticismo, y es la exaltación de lo subjetivo. El tema de la obra es un tema romántico, y procede de la Odisea de Homero.

Esta obra se enmarca en la parte central de su producción artística.

Sobre las influencias de Turner en el arte posterior, destacar la poca influencia que tiene sobre los impresionistas.

Con relación a la contextualización de la obra, decir que esta obra fue realizada en 1829, el en contexto del Romanticismo, en el contexto de las oleadas revolucionarias europeas.

La fuente, Marcel Duchamp

Figura 2: La fuente

La obra seleccionada es La Fuente, creada en 1917 por Marcel Duchamp. En esta obra se aprecia un urinario de color blanco con una inscripción en color negro en la que pone R. MUTT 1917. Este urinario está colocado de una forma estratégica simulando a una fuente.

Como he mencionado, esta obra pertenece al autor Marcel Duchamp, y es una obra escultórica. Sus dimensiones son las siguientes: 61 centímetros x 48 centímetros. Su nombre es La Fuente y su ubicación actual es extraviada, aunque se conservan otras versiones tardías y copias en distintos museos.

En cuanto al análisis temático de la obra se podría sintetizar en lo siguiente: Esta obra supone una crítica al sistema. Supone pensar en el concepto y no en el objeto, en valorar la obra en sí misma y no al autor, se considera una forma de reconciliar el arte con el pueblo. Supone una burla a lo que Duchamp consideraba la inutilidad del arte.

Su análisis formal es bastante simple, ya que Duchamp elaboró esta obra de una manera sencilla. La forma de la obra no es otra que la de la colocación de un urinario de una forma estratégica que simule así una fuente. El material de la obra es porcelana, ya que es de lo que está compuesto el urinario. La técnica empleada en esta obra ha sido la colocación del urinario en la posición deseada y la inscripción R. MUTT 1917.

A continuación, realizaré el análisis estilístico:

Esta obra pertenece al estilo denominado Ready-made, concepto acuñado por el propio Duchamp, y que describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, porque no cumplen una función estética en lo cotidiano, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Se trata de aislar un objeto cotidiano de su contexto habitual para elevarlo a la categoría de arte, con una clara motivación transgresora y antiarte, en el que añade nuevos pensamientos a dicho objeto.

En esta obra, Duchamp escoge un urinario, lo extrae de su contexto (en este caso el cuarto de baño), imposibilita su uso al ser colocado al revés y lo muestra como si fuese una obra de arte, una escultura, provocando a los espectadores a que emitan un juicio estético sobre un urinario que alcanza la categoría de arte.

Estos rasgos son característicos de Duchamp ya que encontramos más obras pertenecientes a este estilo, un estilo que como he mencionado, creó él mismo.

Esta obra se enmarca dentro de la producción dadaísta de Duchamp. El dadaísmo surge en 1916 y se caracteriza por la ruptura con las formas de arte tradicionales.

Uno de los precedentes de La Fuente se halla en el múltiple atrevimiento picassiano, en su arrojo al usar pintura acrílica en alguno de sus lienzos mientras introducía en sus esculturas, como el vaso de absenta, objetos cotidianos para replicar lo hecho en sus collages pictóricos.

Con esta obra, se inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado, una galería o un museo, y la declarara como tal.

Duchamp es uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Hasta los años 60 no tuvo mucha relevancia, fue en ese momento cuando se trató de releer su obra gracias a los movimientos que surgían en la época; incluso muchas de sus obras tuvieron que volverse a realizar porque se habían perdido con el transcurso de los años.

A modo de contextualización, decir que esta obra fue realizada como crítica al sistema. Duchamp realizó esta obra y la envió a la Sociedad de Artistas Independientes para que fuese incluida en su exposición anual. El jurado, del que el propio Duchamp formaba parte, rechazó la obra. Así, se creó la primera obra de arte conceptual y abrió las puertas a las invasiones que descubrieron que cualquier cosa en un museo es arte las vanguardias.

Destacar también que Duchamp realizó esta obra a modo de revolución con el momento en el que estaba viviendo, la sociedad de 1917 donde estaba presente la Primera Guerra Mundial, y se puede considerar como un «Fuck You» a la comunidad artística internacional.

Referencias:

Figura 1: (s.f.). Ulises burlando a Polifemo. [Imagen]. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Ulises_burlando_a_Polifemo#/media/File:Joseph_Mallord_William_Turner_064.jpg

Figura 2: (s.f.). La fuente. [Imagen]. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-fuente-de-duchamp

Ulises burlando a Polifemo. (s.f.). En Wikipedia. Recuperado el 12 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Ulises_burlando_a_Polifemo

10 características del arte en el Romanticismo (s.f.). En Características. Recuperado el 12 de marzo de 2019 de https://www.caracteristicas.co/arte-en-el-romanticismo/

La fuente. Nada menos que la obra de arte más influyente del siglo XX. (s.f.). En historia-arte. Recuperado el 13 de marzo de 2019 de https://historia-arte.com/obras/la-fuente-de-duchamp

González, J.M. (2017). La fuente. En La Cámara del arte, Recuperado de https://www.lacamaradelarte.com/2017/01/la-fuente.html

Aprendiendo a evaluar

¡Hola a todos!

Hoy os traigo un comentario de las exposiciones realizadas en el aula los días 21 y 28 de febrero y 7 de marzo de 2019.

En estas exposiciones, mis compañeros nos han contado las ideas más importantes sobre algunos artistas como una pequeña biografía, sus maestros e influencias o ciertas pinceladas sobre sus obras.También ha habido otras exposiciones en las que los compañeros nos han hablado de obras de arte de algunos artistas seleccionados, haciendo un análisis estas. 

Estas exposiciones son interesantes ya que ellos mismos seleccionan los datos más importantes y los que quieren que recibamos, ya que por Internet podemos encontrar una cantidad muy elevada de información pero no toda es igual de importante.

Me ha parecido interesante que seamos nosotros mismos los que evaluemos sus exposiciones, ya que al fin y al cabo, vamos a ser docentes y una función muy importante del docente es evaluar. Es importante que aprendamos a evaluar de manera objetiva ya que vamos a estar evaluando durante muchos años de nuestra vida.

Para evaluarlos, hemos utilizado una rúbrica facilitada por el profesor. En esta rúbrica aparecen diferentes aspectos a evaluar como la presentación, ya que es importante que nuestros oyentes conozcan nuestro objetivo, la expresión oral y el volumen de voz, ya que en nuestra profesión es muy importante saber hablar correctamente en público porque lo vamos a hacer día a día.

Conociendo artistas

¡Hola a todos!

En este caso os traigo una biografía de dos autores, Joseph Mallord William Turner y Marcel Duchamp.

Con este trabajo de investigación pretendo que conozcáis algo más de estos dos artistas y que observéis algunas de sus obras principales.

Joseph Mallord Wiliam Turner

Joseph Mallord William Turner realizó un autorretrato, y es el siguiente:

Figura 1: Autorretrato.

Joseph Mallord William Turner es un pintor de origen Británico, que nació el 19 de diciembre de 1851.

Turner vivió en un pequeño pueblo de Londres llamado Brentford, cerca del río Támesis a lo largo de su vida. Fue enviado allí en 1785 con su tío materno, probablemente por la situación en la que estaba viviendo, ya que su madre fue perdiendo la estabilidad mental debido a la muerte de su hija pequeña hasta que, en 1804, murió recluida en un psiquiátrico. Su padre era barbero.

Allí, con 14 años, entró en la Royal Academy of Art. Turner realizó numerosos viajes por Europa. Inició su viaje en Francia y Suiza, en 1802, y en ese mismo año estudió en el Louvre de París. Visitó también Venecia y Roma. Con su envejecimiento, Turner se comenzó a comportar de una manera excéntrica. Turner tuvo pocos amigos, a excepción de su padre y, tras su muerte en 1829, entró en depresión. Murió en Londres el 19 de diciembre de 1851 y, según sus deseos, fue enterrado en la Catedral de San Pablo.

Como he mencionado, comenzó sus estudios en la Royal Academy de Londres, donde recibió clases de artistas como Sir Josuah Reynolds o Paul Sandby. En su juventud aprendió las técnicas de la acuarela en compañía del pintor Thomas Girtin, con quien coloreó varias láminas para ilustrar libros de viaje. La influencia de estos autores fue decisiva en sus creaciones y sus pinturas fueron muy admiradas y muy bien criticadas por muchos miembros de la academia. Gracias a esto, Turner consiguió suficiente dinero para realizar numerosos viajes por Inglaterra y Gales, donde tomó bocetos de lugares y momentos. Posteriormente viajó a Francia y Suiza, algo que le ayudó para aumentar su universo pictórico observando las obras de grandes maestros como Rembrandt, Albert Cuyp y sobre todo Claudio de Lorena. La huella de éste último es fácilmente identificable en obras de Turner de este periodo como sus escenas de " Las plagas de Egipto" (1800) y el posterior " Sol naciente entre la niebla" (1807, National Gallery de Londres).

Turner expresó en sus paisajes la violencia de la naturaleza, en cuya visión grandiosa percibió dramáticamente la pequeñez humana e igualmente, en muchas ocasiones, su heroicidad en su lucha contra el medio hostil. En sus cuadros se puede advertir la presencia divina, explícita en la obsesión casi continua por la luz, en contacto directo y entremezclado con los elementos tierra, aire y fuego.

La técnica de Turner, en evolución continua, resulta abocetada y suelta, y en ella ya se advierte cierto preimpresionismo, que a veces llega a ser una premonición del expresionismo casi abstracto. Usó el tema histórico como pretexto para pintar paisajes, en donde se resalta la incapacidad humana ante los fenómenos naturales. Concedió una importancia capital al colorido. Desdibujando los contornos de las cosas. Pero en muchos de sus cuadros también aparecen representadas las nuevas máquinas de la sociedad industrial, como trenes y barcos a vapor, que narran líricamente ese esfuerzo ciclópeo del hombre por vencer a la naturaleza, al tiempo y al espacio.

Turner trabajó principalmente paisajes, a través de óleo sobre lienzos o acuarelas con las que coloreó varias láminas para ilustrar libros de viaje.

Sus primeros trabajos, como Tintern Abbey (1795) o Venecia: S. Giorgio Maggiore (1819), conservan las tradiciones del paisajismo inglés. Sin embargo, en Aníbal atravesando los Alpes (1812), comienza a surgir su énfasis en el poder destructor de la naturaleza. Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros. En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en Lluvia, vapor y velocidad pintado en (1844), donde los objetos son vagamente reconocibles.

Turner, junto con John Constable, fue un estandarte de la pintura inglesa en sus últimos años,​ y fue popular en Francia también. Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.​ Se ha sugerido que los altos niveles de ceniza en la atmósfera durante 1816, que condujeron a unas inusuales puestas de sol durante dicho periodo, pudieron inspirar el trabajo de Turner.

A continuación os muestro algunas de sus obras principales:

Figura 2: Ulises burlando a Polifemo.

Figura 3: El "Temerario" remolcando a su último atraque para el desguace.

Figura 4: El incendio de las Cámaras de los Lores y de los Comunes.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp realizó un autorretrato, y es el siguiente:

Figura 5: Auto-portrait de profil.

Este autorretrato se titula auto-portrait de profil, y está situado en el Museo Metropolitano de Nueva York. La técnica empleada para su realización es el collage y los materiales empleados son papel y cartón sobre terciopelo. En este retrato se puede observar la inscripción “marcel déchiravit”, un típico juego de palabras del artista, que se traduce como “Marcel arrancó esto de manera rápida.”

El artista se retrata de perfil con una silueta negra. Este autorretrato es un ejemplo del gusto del artista por el blanco y el negro, por las siluetas y las sombras. Diez años después, Milton Glaster se basó en este autorretrato para hacer su poster de Bob Dylan.

Marcel Duchamp es un artista de origen Francés, que nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo francés. Marcel asistió a clases de pintura en el liceo. Con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Duchamp pasó una gran parte de su vida en París.

Las principales influencias de Duchamp son sus hermanos, ya que los tomó como referente en varias ocasiones.  Duchamp, muchas veces contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de Cézanne, en otras reconoció haber permanecido una larga emporada bajo su influjo, bajo el que pintó probablemente el Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su padre. También tiene una gran influencia del futurismo y el cubismo. También recibió la influencia de Jules Laforgue y Raymond Roussel. Del primero le atraían su humor cínico, el desapego de sus personajes y sus juegos verbales. Del segundo, su obra a base de juegos de palabras, transliteraciones y retruécanos. 

En la obra de Duchamp se aprecian diferentes etapas. Fue el pionero y líder del movimiento artístico denominado Dada, aunque durante su trayectoria realizó obras pertenecientes a diferentes movimientos. Pasa por una fase expresionista, donde realiza una serie de retratos de familiares y de gente muy cercana a él, donde realiza un aligeramiento matérico que dota de un gesto ingrávido a sus obras, ya que hasta entonces el expresionismo representaba obras cargadas y exasperadas. También pasa por el cubismo, donde representa el movimiento mediante la representación cinemática de un cuerpo sorprendido en poses consecutivas. Realiza obras con máquinas ya hechas o “ready-mades”, donde realiza obras de arte estéticas con objetos cotidianos y que lograron criticar y poner en juicio la función y el status de los procedimientos de producción de las obras de arte.

También se produce otra fase en la que evoluciona hacia el placer del “no hacer o no pintar”, donde se propone una economización de la energía de la producción de la obra de arte para aprovecharla al máximo como energía intelectual. Se despoja de lo innecesario, de lo decorativo; potencializa lo visceral para, de esta forma, dejar la esencia pura del arte. Atribuye a las máquinas valores orgánicos. Duchamp es el primer artista que trata ‘seriamente’ la desmitificación del arte Occidental tal cual se conocía. La obra de arte se degrada a mercancía, a producto de consumo popular y, por lo mismo, se dan como objetos banales, anaestéticos, al igual que un mingitorio o una rueda de bicicleta. Sí, se habla del principio de descontextualización del pop art.

A continuación os muestro algunas de sus obras principales:

Figura 6: La fuente.

Figura 7: Rueda de bicicleta.

Figura 8: L.H.O.O.Q.

Referencias:

Figura 1: (s.f.). Autorretrato. [Imagen]. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/J._M._W._Turner#/media/File:Turner_selfportrait.jpg

Figura 2: (s.f.). Ulises burlando a Polifemo. [Imagen]. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Ulises_burlando_a_Polifemo#/media/File:Joseph_Mallord_William_Turner_064.jpg

Figura 3: (s.f.). El "Temerario" remolcando a su último atraque para el desguace. [Imagen]. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/J._M._W._Turner#/media/File:Turner,_J._M._W._-_The_Fighting_T%C3%A9m%C3%A9raire_tugged_to_her_last_Berth_to_be_broken.jpg

Figura 4: (s.f.). El incendio de las Cámaras de los Lores y de los Comunes. [Imagen]. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/J._M._W._Turner#/media/File:Turner-The_Burning_of_the_Houses_of_Lords_and_Commons.jpg

Figura 5: (s.f.). Auto-portrait de profil. [Imagen]. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/autorretrato-de-duchamp

Figura 6: (s.f.). La fuente. [Imagen]. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-fuente-de-duchamp

Figura 7: (s.f.). Rueda de bicicleta. [Imagen]. Recuperado de santafixie.com/blog/marcel-duchamp-rueda-de-bicicleta/

Figura 8: L.H.O.O.Q. [Imagen]. Recuperado de http://espina-roja.blogspot.com/2010/10/lhooq-obra-de-duchamp-propiedad-del.html

J.M.W. Turner. (s.f.). En Wikipedia. Recuperado el 27 de Febrero de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/J._M._W._Turner

Autorretrato de Duchamp. Una de las obras más influyentes de la última época de Duchamp. (s.f.). En historia-arte. Recuperado el 10 de marzo de 2019 de https://historia-arte.com/obras/autorretrato-de-duchamp

Marcel Duchamp. (s.f.). En Wikipedia. Recuperado el 12 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

Ayala, G. (s.f.). ¿En qué movimiento se incluye a Marcel Duchamp? En Culturacolectiva. Recuperado de https://culturacolectiva.com/arte/en-que-movimiento-se-incluye-a-marcel-duchamp

Expresarnos mediante manchas

¡Hola a todos!

En este caso os quiero mostrar otra práctica que realizamos en clase, en esta ocasión sobre el dibujo expresivo de la figura humana, realizado en este caso mediante manchas.

El dibujo expresivo sirve, como su propio nombre indica, para expresarnos a través de él. En este caso no nos vamos a fundamentar en la línea, si no en la mancha, que mediante las manchas se muestre la expresión, ya que la mancha está en el campo de la expresividad, del expresionismo.

Este dibujo no es algo de nuestros días, siempre ha estado presente ya que los hombres siempre han tenido la  necesidad de expresarse. Esto por ejemplo lo podemos observar en un ejemplo de pinturas que mostró el profesor en clase, los Guerreros de Tassili N´Ajjer en Argelia.

En estas pinturas, se representan escenas de caza donde aparecen figuras antropomorfas con instrumentos destinados a la caza y figuras zoomorfas. En estas figuras está mucho más presente la mancha que la línea.

Firgura 1: Guerreros de Tassili N´Ajjer en Argelia.

En este caso vamos a hacer dibujos rápidos, sin miedo, sin importar si nos equivocamos y, si se da el caso, lo podemos corregir dibujando encima y no borrando. ¿Por qué digo esto? Porque en este tipo de dibujos no tenemos que copiar la realidad, no consiste en eso, si no en observar la imagen que queremos dibujar, retenerla para entenderla y comprenderla y, en último lugar, dibujarla, expresándonos mediante su dibujo, sin ataduras a la realidad.

En esta práctica, nos vamos a centrar en dibujar las expresiones de la figura humana mediante la mancha, sin ataduras a la realidad, y no mediante la línea ajustándonos a la realidad ya que, mediante la línea obtenemos una copia de la realidad y en esta práctica no buscamos eso. Lo que buscamos es realizar un dibujo expresivo, sin miedo, y que no esté atado a la realidad.

En primer lugar dibujamos únicamente la figura humana con mancha, intentando no utilizar la línea, algo bastante complejo para nosotros, ya que estamos acostumbrados a copiar la realidad mediante la línea y probablemente muchos de nosotros no habíamos utilizado la mancha para dibujar una imagen.

Aquí os dejo mi dibujo para que le echéis un vistazo:

Figura 2.

Después dibujamos la figura humana también con mancha, intentando evitar el uso de la línea, pero en este caso le añadimos color para completar el dibujo marcando así su contorno.

Aquí os dejo mis dibujos a ver qué os parecen:

Figura 3.

En esta imagen aparece representada una mujer saltando y le apliqué el color rojo a mi dibujo ya que para mí este color simboliza la fuerza, y quise expresar con mi dibujo la fuerza que tenemos las mujeres por nosotras mismas.

Figura 4

En la segunda imagen aparece representada una pareja y le apliqué el color azul a mi dibujo ya que para mí este color simboliza la tranquilidad, y en este dibujo quise expresar la tranquilidad que sentimos cuando estamos con alguien querido, ya sean amigos o familiares.

Os adjunto también un dibujo que hice en mi casa. 

Figura 5.

¿Observáis algo especial en el? Así es, este dibujo no está hecho con los materiales con los que estamos acostumbrados a dibujar. ¿Por qué solo se puede colorear con pinturas? Hay otros muchos elementos que podemos utilizar para dar color a nuestras obras y seguro que nunca se nos ha pasado por la cabeza utilizarlos. En este caso yo he utilizado tomate, sí, ese tetrabrik que seguro que todos tenemos en la nevera, ¿por qué no colorear con él? 

Nosotros como docentes tenemos que enseñar a los alumnos a utilizar elementos cotidianos en sus trabajos, ya que puede que muchos de nuestros alumnos no dispongan de dinero suficiente para comprar las pinturas de último modelo y, para ellos, dibujar es algo básico. Por ello, debemos enseñarles herramientas prácticas para poder dibujar sin necesidad de tener materiales muy caros, sino que sean capaces de utilizar materiales que todos ellos tengan en sus casas.

Por último os quiero comentar una experiencia que tuve el otro día. ¿Qué os parecen mis dibujos a vosotros? El otro día se los enseñé a mis primos y me dijeron "¿Qué es eso? Vaya dibujos más feos." Me gustaría destacar que en estos dibujos no se busca la belleza en comparación con la realidad, sino la expresión. Por esto mismo, puede que muchos de vosotros no sepáis qué son estos dibujos, ya que no habéis visto las imágenes en las que me he basado para realizarlos. 

Referencias:

Figura 1: Sin apellido, J. (Sin fecha). Guerreros de Tassili N´Ajjer en Argelia. [Ilustración]. Recuperado de https://www.pinterest.es/pin/826621706576073196/

Dibujos cabezones y patilargos

¡Hola a todos!

En este caso os quiero mostrar una práctica que realizamos en clase sobre las expresiones corporales.

¿Quién de nosotros no ha dibujado el típico monigote para dibujar una figura humana? Todos nosotros, no me cabe duda, pero seguro que no nos hemos parado a pensar en sus proporciones, que nuestro dibujo puede ser cabezón o patilargo si no prestamos atención a ellas.

Para que no nos ocurra esto, tenemos que intentar dibujar la figura humana con sus proporciones, y visualizando sus partes y articulaciones, para así poder dibujarla correctamente. Para ello, se aplica un canon.

En el arte clásico, el interés por las proporciones de la figura humana fue una de sus principales preocupaciones estéticas. Por ello, se establece una proporción entre la altura total del cuerpo y el alto de su cabeza. Este canon se entiende como cuántas cabezas caben en la altura del cuerpo. Para los artistas clásicos, el canon era un concepto ideal, donde existía una norma que marcaba cómo debían ser las proporciones del cuerpo humano ideal y armónico.

A lo largo del crecimiento humano se aprecia la evolución del canon. El canon va aumentando con la edad hasta la plenitud adulta, donde se alcanzan las 8 cabezas, y, a partir de aquí, comienza a menguar por la comprensión de las articulaciones.

En la historia del arte se ha realizado un uso expresivo del canon, y ha evolucionado mucho desde su comienzo hasta nuestros días.

Los egipcios, utilizaron el canon para la representación de la figura humana, pero en vez de tomar la cabeza como referencia tomaron el puño. De este modo, los cuerpos miden 18 veces el tamaño del puño.

El canon griego se centra en el ideal de la belleza formal como expresión de la armonía de las formas. En época clásica, este canon fue definido por Policleto en siete cabezas y media y por Lisipo en diez unidades, considerando que el cuerpo medía 8 cabezas.

En época gótica también se utiliza el canon, pero en este caso lo adaptaron a su objetivo, sugerir elevación del espíritu. Se emplea un canon alargado, mucho mayor que las ocho cabezas del adulto medio.

En época barroca, los cuerpos fueron más voluminosos, caderas anchas y cinturas estrechas, hombros estrechos y brazos redondeados y carnosos. En los hombres, destaca el pelo, la piel muy blanca y las mejillas rosadas, y trajes suntuosos.

En el Renacimiento, se aprecia el canon de Vitruvio, donde el cuerpo humano está encerrado en un círculo inscrito en un cuadrado, donde el ombligo es el centro y la figura humana corresponde a ocho partes de las que la cabeza es la unidad.

En la Edad Contemporánea, el arquitecto francés Le Corbusier creó un nuevo canon al que denominó modulor, de 2,26 metros de altura.

¿Cómo podemos aprender a dibujar la figura humana con las proporciones correctas? Es tan simple como practicar. Al igual que aprendemos a escribir las letras repitiéndolas una y otra vez, aprendemos a dibujar la figura humana de este mismo modo. Por ello, se ha planteado esta tarea como si fuera un cuaderno de los que todos hemos utilizado de pequeños en los que escribíamos una y otra vez las letras.

Para dibujarla, tenemos que fijarnos en primer lugar en la posición en la que aparece, localizando sus partes y articulaciones. Una vez que nos hemos tomado un rato para observarla pasamos a dibujarla, marcando las articulaciones y reconociendo sus partes, para así conocer la anatomía de la figura humana y no dibujar por ejemplo una pierna que sale del hombro. Así que si queremos que nuestros dibujos no sean cabezones o patilargos, tenemos que tener en cuenta las proporciones y nos quedarán perfectos.

Aquí os muestro mis dibujos:

Figura 1

Figura 2

Figura 3

Una vez hecho esto, pasamos a dibujar más figuras de mayor tamaño, aquí os las dejo para que le echéis un vistazo.

Figura 4

Figura 5

Figura 6

Referencias:

(Sin fecha). Anatomía y proporción de la figura humana. Aulafacil. Recuperado de: https://www.aulafacil.com/cursos/dibujo-lineal-secundaria/educacion-plastica-y-visual-4-eso/anatomia-y-proporcion-de-la-figura-humana-l11844

¿Por qué dejamos de dibujar?

¡Hola a todos!

En este caso os muestro las etapas gráfico-plásticas del niño y una reflexión sobre por qué dejamos de dibujar.

La función de la Expresión Plástica en el sistema educativo no consiste en la formación de artistas. Se debe conseguir que los alumnos sean capaces de expresar sus pensamientos por medio del dibujo, así como desarrollar su creatividad. Es mucho más importante que los alumnos sean capaces de hacer esto, ya que el porcentaje de alumnos que van a ser artistas tras las clases de la escuela es muy bajo, para ello acuden a academias especializadas.

¿Cuántos de nosotros hemos pensado que somos malos en esta asignatura porque no dibujamos bien? Dibujar bien o mal es muy relativo, todos nosotros hemos escuchado la oración “la belleza está en los ojos del que mira”, y seguro que no nos hemos parado a pensar en la profundidad de su significado. No es tan importante lo fiel que sea a la realidad la obra si no la expresividad que transmite, es decir, qué quiere transmitir quién la ha hecho.

Ante una misma obra, podemos encontrar versiones opuestas, ya que la belleza de los objetos está en la mente de quien los observa y no en los propios objetos. A algunos nos puede parecer una obra maravillosa y otras personas pueden pensar que no les gusta nada. Lo importante es lo que nos transmite la obra, qué despierta en nosotros al observarla.

Una vez hecha esta reflexión, paso a comentar el arte infantil.

Se caracteriza por:

- Es el lenguaje de su pensamiento, los niños dibujan sus ideas.

- La estética de los adultos: no podemos valorar los dibujos con nuestra mentalidad ni compararlos con ella. Por ello, no podemos decirles que no les sale bien, porque ellos se están expresando desde su mentalidad.

- El proceso creador: hay que potenciarlo. Tiene que ver con la formación personal en creatividad y emprendimiento. 

- Comprender las diversas etapas (estadios): Son etapas graduales, todos los niños pasan por todas las etapas, hasta que no superan una, no pasan a la siguiente.

- Madurando en sus aspectos físico, intelectual y afectivo: El desarrollo de las etapas se demuestra a través de la madurez en estos tres aspectos.

Paso a comentar los diferentes etapas y sus características más importantes:

La primera etapa es la etapa del garabateo, que comprende de los 2 a los 4 años. Esta etapa se divide a su vez en garabato sin control, donde el niño dibuja sin mirar al papel, garabato controlado, donde el niño descubre que el ojo guía la mano, y garabato con nombre, donde el niño desarrolla el pensamiento imaginativo.

La segunda etapa es la etapa preesquemática, que comprende de los 4 a los 7 años. En esta etapa aparece el renacuajo. Se dibuja a él mismo y a sus seres queridos como un gran círculo con los elementos importantes del cuerpo, como pueden ser los ojos. Si no tiene por ejemplo orejas no pasa nada, porque no le da importancia a las orejas. Dependiendo de los elementos y detalles que le añada nos da pautas de maduración, si le dibuja más elementos es más consciente y si le dibuja menos elementos es menos consciente. También desaparecen los garabatos, y aparece el egocentrismo. No existe orden en el espacio, no tiene codificaciones ni connotaciones culturales, puede dibujar en cualquier parte del papel, no tiene por qué ser lineal como en nuestra lengua o hacia abajo como en otras lenguas. Dibuja no lo que ve sino lo que sabe, crea conscientemente la forma, y el color no tiene relación con la realidad.

La tercera etapa es la etapa esquemática, que comprende de los 7 a los 9 años. Es una etapa psicológica del nosotros y de la acción. Aparece la línea base y del cielo, trabaja con su propio esquema y su conocimiento, el esquema es repetido (flexible). No hay que tintarlo de negativo ya que está creando su modelo, tiene esa forma de dibujar la figura humana y la repite. Se dibuja en hilera, establece relaciones entre color y objeto, y se representa el espacio-tiempo.

La cuarta etapa es la etapa realista, que comprende de los 9 a los 11 años. En esta etapa adquiere conciencia de pertenecer a un grupo, la pandilla. Objetiviza las formas, comienza a desaparecer la línea base, descubre la superposición, obsesión por la representación del movimiento y adquiere sentido de los detalles.

La quinta etapa es la etapa pseudonaturalista, que comprende de los 11 a los 13 años. En esta etapa comienza a percibirse la crisis de la adolescencia, se pasa de una actividad espontánea a la razonada, expresa las tres dimensiones, tiende a la caricatura, proyecta su personalidad en los dibujos de la figura humana, se vuelve consciente de su trabajo, es autocrítico. También centra su atención en el producto final y tiene un gran sentido intuitivo del color y del diseño.

La sexta etapa es el período de la decisión, que abarca de los 13 a los 17 años. En esta etapa se perfilan los dos tipos de expresión artística: Por un lado, los niños de mentalidad emocional o subjetiva, que expresan sus emociones y sentimientos. Sus dibujos no forman un todo homogéneo, todo está en función de su yo, y tienen tendencia a las exageraciones. Por otro lado, los niños de mentalidad visual u objetiva, que piensan en términos de imágenes visuales. Ven primero el conjunto como un todo, y se relacionan con el medio a través de los ojos.

En relación con esto se me ocurre comentar una pregunta formulada por el profesor uno de los primeros días de clase: ¿Por qué dejamos de dibujar?

Yo creo que bastante culpa la tiene el sistema educativo, ya que cuando los niños son pequeños, se les deja una gran libertad para dibujar y expresarse de esta manera, y a medida que van creciendo y van desarrollando el lenguaje y la escritura, se les va dejando menos tiempo para dibujar. Esto es porque el sistema educativo da más importancia a asignaturas relacionadas con las ciencias que a la educación artística. En las escuelas, la mayor parte del tiempo se centra en el aprendizaje de la lectura, la escritura o las matemáticas, y el dibujo se plantea como algo complementario como por ejemplo tiempo libre para dibujar al terminar las tareas.

En educación infantil, recuerdo hacer dibujos a diario en clase y llevarlos a casa para que los pudieran ver nuestros familiares, y muchos de estos dibujos aún los conservamos con gran cariño. En educación primaria, sobre todo en cursos más superiores, recuerdo llevar a casa redacciones que hacíamos en clase o exámenes de matemáticas, lengua o conocimiento del medio en los que teníamos muy buena nota. Bien es cierto que teníamos la asignatura de plástica, pero allí realizábamos las actividades que nos proponían los maestros y realmente no nos dejaban tiempo para dibujar libremente y expresarnos como cuando éramos más pequeños. En la educación secundaria y bachillerato, la educación artística tenía menos importancia aún, y no porque nosotros no se la diéramos, si no por el propio sistema educativo como ya he mencionado.

Por ello, pienso que una de las razones por las que dejamos de dibujar puede ser esta. El sistema educativo ejerce una gran influencia en nuestro desarrollo, y si ellos no le dan importancia a la expresión artística, inconscientemente tampoco se la vamos a dar nosotros. El sistema educativo valora más el aprendizaje de otras asignaturas como las de ciencias y por ello, la educación artística queda infravalorada. De manera indirecta nos educan hacia estudios científicos o económicos y no hacia estudios artísticos, por lo que en el día a día, la mayoría de los adultos realiza una operación o escribe algo pero no realiza un dibujo.

Referencias:

Maíllo, F. (Sin fecha). Etapas gráfico-plásticas del niño. [Presentación archivo pdf]. Recuperado de: https://moodle2.usal.es/pluginfile.php/1210627/mod_resource/content/1/02%2001%20Etapas%20gr%C3%A1fico%20pl%C3%A1sticas%20del%20ni%C3%B1o.pdf

Los contenidos teóricos están extraídos de la presentación Florencio Maíllo Cascón y de sus explicaciones teóricas en la clase del día jueves 14 de febrero de 2019.